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陕西国画院主题学术日|徐晓荔 · 画家系列作品观摩展

发布:2020-07-14  (浏览 975 人次)
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陕西国画院主题学术日

徐晓荔·画家系列作品观摩展   


 2020年7月9日下午陕西国画院主题学术日第二次活动在画院观摩室如期召开。学术主持人画院副院长王潇介绍了徐晓荔在画院工作几年来的基本情况后,话题很快转入学术的论谈。


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陕西国画院主题学术日

徐晓荔·画家系列作品观摩展   

学术主持:王潇

会场主持:武斌

时间:2020年7月9日

地点:陕西国画院二楼观摩室


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王潇(副院长  一级美术师):


  陕西国画院主题学术日第二场活动,暨徐晓荔·画家作品观摩展现在开始。我大致说一下徐晓荔的情况,就直接进入学术讨论。

  徐晓荔,画院年轻画家,到画院时间不长,从学校到工作短短几年时间,在单位业务办负责一些工作。从专业创作的时间上来说比大家少,这一点大家都能看清楚。工作的性质和她年轻的学路历程、创作经历并不是很长,今天展示出来的是她今年所创作和探索的一些作品,我们从大的范围里进行讨论,希望能给予建设性的意见和建议。

  徐晓荔从事中国花鸟画创作,花鸟画这几年在全国来说是相对人物和山水比较式微的一个画种,从我们画院来说花鸟画家一共三个人,花鸟画从陕西来说现在也缺人才,这都是有原因的,有时代的原因。

  我大致说一下花鸟画概况,花鸟画从唐代分离出来成为独立的画种以后,到徐熙和黄筌达到一定高度,直接影响了宋代的院体画。宋代院体画的追求理性一些,是写真的,非常精密细致的绘画方式,也就是现在的工笔画,一直影响到现代。到苏轼的时候提出来士大夫画,元代称为文人画,文人画从宋到元明清得到很大发展,工笔画开始衰弱,整体来说中国画的发展从工笔到写意,到现在工笔又开始得到重视。从现在全国美展来看,从全国的各大有影响力的花鸟画家来看,是表现在工笔方面,尤其全国美展评选机制和标准都是工笔画,或者是工笔画延续下来的一种制作方式,类似徐晓荔现在画的这一批画,这些画还属于工笔画范畴里面的,虽然有水墨的意味,图式和精密程度属于工笔画。

  从整体来说,花鸟画从最早的精细的工笔,到元以后大写意畅行,一直到清代花鸟画最顶峰时期,出现了石涛、八大这些厉害的人物,后来到海派赵之谦、吴昌硕,到近现代大家齐白石,他们都在花鸟画方面取得很大成就,当时画花鸟画的人相当多,近现代十多位中国画大师里面花鸟画家较多。为什么到当代花鸟画一下子式微呢?一个是新时期以来我们党和国家的文艺方针是文艺为人民服务,为工农兵服务、为社会主义建设服务、注重政治题材和现实题材的描述,人物画得以盛行,人物画沾了主题的光。山水画起码繁密的制作程度,还有学术性,是一些人参与不了的。而花鸟画现在的状态,不是参与人员少,能画花鸟的人多,但都是泛泛的,像书院门或者老年大学的人,一般都能拿起笔画,但都是原来传统式样的泛泛方式,没有创造性。

  真正有学术性的花鸟画创作目前想想,能拿得出来的大师、大家有谁,就全国范围来看,中央美院、中国美院,包括国家画院,大师没有,大家真的屈指可数。陕西一样,在全国范围内有影响力的、能拿得出来的顶呱呱的年轻画家,一下子让人还想不出来。当然老一代有一些,比如陕西的江文湛老师,他的花鸟画特点在全国范围里都是很独特的,影响力很大,王子武原来画人物后来也画花鸟,还有王金嶺、陈子林、张之光老师,这都是有个人特色的一些花鸟画大家。从中国画整体看,花鸟画,包括人物画、山水画,真正的好的东西在写意范围里面多一些,不在工笔里面。因为写意包含的东西太多,不仅仅是画法、技巧的问题,与人的修养和人文哲学各方面都有关,所以耐读,好的精华的东西还是在写意里面。通过这些来看,我们年轻的这一批青年花鸟画家应该想一想自己的路子怎么去走,从哪个方向走,写意还是工笔,如果写意,如何确立自己的风格,风格特点是特别重要的。江文湛老师如果没有独特的造型和独特的笔墨风格之处,还有王子武、张之光,大家一看画就知道是他们的花鸟画,要不然他们在这个时代也不会凸显出来,所以个人风格特点很重要。现在能画花鸟的人多的很,能让人想起的少的很,原因就是这个。

  今天大家除了针对徐晓荔的画讨论之外,我想提四点思考和探讨的问题。

  第一,在工笔画现在作为主流发展,写意花鸟画式微的现状下,要不要提倡写意花鸟,提倡真正的写意花鸟画。事实上,中国美协和中国国家画院目前都在提倡写意精神、写意画。

  第二,写意花鸟画和花鸟画中的写意性。实际上工笔画里面也有写意性和写意要求,写意花鸟画是文人精神、文人内涵,要历练笔墨。

  第三,当代花鸟画的创作中对题材的扩展,齐白石把题材在花鸟画领域拓展了很多,我们现在是不是要独辟蹊径,从其他地方入手,在题材方面也要动动脑子。

  第四,个人风格的确立和笔墨图式的重要性。

  这四个方面大家可以结合徐晓荔的画作进行讨论,下面由武斌主持开始讨论。


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武斌(画家  三级美术师):


  刚才王老师基本上把花鸟画的源流和演变做了一个介绍,按照程序我再介绍一下我们的徐晓荔。

  徐晓荔,出生于1983年,陕西西乡人,毕业于陕西师范大学美术学院,中国画花鸟专业。在我们画院担任业务办副主任的职务。就像刚才王院长说的,画花鸟的在社会上从业者最众,但却也最难突破,因为它的程式和套路太多,而且程式和套路多数没有根基,是大众审美和流行的意味。

  徐晓荔进入我们画院已经七八年了,晓荔急需一场这样严肃的、批评的讨论会。因为她从学生到画院的工作岗位上,她的画作没有这么多专家在一块进行过系统性的考验。我们平时找一个人来看画,多数都会说挺好的,其实这样的评价如同微信聊天里面的“呵呵”一样,如同微信表情里面的微笑一样,是非常敷衍也没有价值的。

  在晓荔讲话之前,我先从我的认知上谈一谈,我也看过很多徐晓荔的画,从技术层面上讲,她还是有一些思考,从图式上传统的花鸟画都是特写,但是徐晓荔选择了大景,这样也加大了处理主体和背景关系的难度。徐晓荔的画给我的整体感觉是呈现一种不工不写的样貌,按照工笔的要求衡量不够精致,按照小写意的要求来看又缺少笔墨。如果这个问题没有思考好,我觉得会长期处在一个很尴尬的境地,比如她爱画鸭、鹅、鹤家禽,用白粉在外形上画丝毛,但我觉得都没有画够,比方说作为工笔来讲丝毛应该再罩染或者怎么样,让它更厚实一些。她喜欢用白色画禽类,但是都好像是工笔重彩的前一二步骤,感觉没有画完的样子。

  从技术层面讲,可能没有找到自己的绘画语言。昨天晚上我睡觉前还在想她的画,想了半天总是模模糊糊,想不出一幅很明确的画能来代表她。从思想层面讲,我觉得从画面看徐晓荔的画显然是受明清花鸟画的影响比较重,而宋画因素很少,这也可能是造成其不工不写的深层原因。我们为什么要画花鸟画,通常是赋予人类道德情操的标准,比如画里面的牡丹芍药一定是代表富贵,比如家禽里面的孔雀、鸾凤一定是形容高贵,松竹梅菊、鸥鹭鸭鹅一定是形容悠闲,还有鹤的轩昂,荷花的高洁,鹰的搏击,每一个都赋予了画家的情绪。其实画花鸟还是画家托物言志、借物喻人,不管是画花画鸟最后还是画自己。所以我觉得徐晓荔这方面的思考还应该再加强。

  具体来说她还年轻,路还比较长,所以可以慢慢来,我们现在把话筒交给徐晓荔。



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徐晓荔(画家  三级美术师):


首先感谢大家这些年对我的关爱、包容和鼓励,这是我第一次办个人的展览,虽然这是我们院内的活动,但是我仍然比较紧张,希望大家能够多多批评指正多帮我提意见和建议。我这次拿出来的作品都是我今年画的一些探索性的作品,这些画有别于我之前的作品,我以前画画只是一味地在追求画面的完整性和笔墨上的得失,反而忽略了自己内在情感的抒发和表达。其实这些问题我也一直在思考,就是如何把内在情感、画面效果和笔墨融合在一起,在这个问题上我一直在找一个突破口,今年过年在家隔离期间通过网络和媒体看到了在抗疫期间奋战在各个领域的抗击疫情工作者们,我内心特别震动,一再的问自己自己能做点什么,该用什么方式抒发一下自己的情绪,表达出自己内心的感动。但是在老家没有绘画工具,就记了一些日记和绘画意图。其实我今天所说的就是之前记的一小感受和零散画画心得。

  2019年通过观看十三届全国美展,及其他一些展览,从一些优秀作品中,我对“意在笔先”这句话有了更深刻的认识和解读。所以通过认真的思索我尝试性的画了这批作品,这些作品也是在这段时间我内心有感而发的一些东西。这些画有很多问题和不足之处,我今天拿出来也是想通过这样一个机会让各位师长给我答疑解惑,能通过我自己的阐述和画面上的问题给我找到一个更好的方向,所以当我知道我要有这样一个机会的时候,我就把我的主题定作为《思辨》,“思”即是自我绘画的思索,“辨”则是辨明是非自我取舍,所以通过自己主观的思辨,我拿出我的这些作品和我的创作思路,希望在今天这个隆重的观摩会上,能得到各位老师更多宝贵的意见和建议。

  可以说我这一段时间的作品都是围绕疫情而展开的,这次大疫我有太多的感触和感动,让我的作品不仅仅限于单一的审美或者是为了表达某种物象而做,花鸟画虽然是中国绘画中的表现门类之一,但它不像人物画可以直接凸显绘画的主题性,也不像山水画把自然融入到自己的情感中可以表现出山河之迹与地貌特征。但是花鸟画却可以托物言志、借物喻情。《杏林春暖》《静待花开》这两幅作品是在正月接到院里通知要求每位在职专业创作人员要完成的作品,当时我确实是有点茫然,虽然想过疫情过后作为专业创作人员我应该做些什么,当时这突如其来的任务还是让我有些措手不及,一是没有材料,二则是不知道用什么题材表达,在我思索良久之后却也只画了这么两张不太满意的作品。后来在我创作其他作品的时候我才意识到为什么自己当时创作一张关于疫情的作品较为吃力,虽然疫情严重,但是我们仍然生活在温暖的家里,虽不能自由出行,但吃喝不愁,一切也是井然有序。只是通过媒体关注疫情的动向,对疫情和奋斗在前线的工作人员没有深刻体悟和感同身受。

  而我创作这批作品的时候正是我们从老家回西安后画的,我们从老家开车回到西安在高速路口排队、等待检疫、填表一系列程序走完,又在路口等了两个小时等小区物业的人来接。当时站在路边填表等待,寒风刺骨,突然对路口的检疫人员由衷的肃然起敬。他们在寒风里一站就是几个小时,这种感同身受是在家里看新闻感受不到的,回到家后我再看关于疫情前线的报道就有了不一样的感觉,心之所想于是就有了这一批和疫情有关的作品。它是不成熟的但却是我当时情绪和情感的表达。也是用最真诚的方式,致敬最可爱的人。这也是作为一名文艺工作者对抗击疫情的使命感和责任感。

 今天展示的这部分作品,基本上是从二月二十号到四月中旬的一些阶段性作品,小画是为大画做的一个铺垫和练习,之前也做过一些这方面积累。在这方面我有几点感受,首先是用笔、其次是构图、三则是用墨、四是用色、五是主题。在用笔方面、如何用精炼的笔触去概括我想要表现的客观事物,这是我反复思考的问题,往往很简单的东西,是很难概括和提炼的,做复杂容易,做简单难;二是构图,我之前在绘画创作过程中经常遵循古代经典绘画作品的范式,有某些固有思维模式,如何打破自己原有的思维方式,我认为一幅完整的作品中构图则是最能体现自己突破的一个方面;第三就是笔墨语言,我之前绘画时用笔用墨,基本是在刻意的追求墨分五色的效果,在墨盘中经常会刻意调出浓淡干湿附着与画面上,而最近在画这批作品的时候经常会让墨、色、水自己在纸面上碰撞融合。追求那种不经意的笔墨关系,打破那种固有的绘画方式,让画面出现一些不经意的效果。第四是用色,我以前在绘画过程中经常是以形填色,先构型再填色,而这次通过这种大量的练习,转变了以前那种固有的绘画经验,做了很多用色造形的练习,将之前的色依附于形的绘画方式,尝试为用颜色造型、以颜色补形。第五是画面的表现内容,也就是主题思想,(以前我关注更多的是小花小景,这种细微的事物和变化或许离我内心更近一些所以我的画面元素一直都比较单一,近期我也一直在思考这个问题,要怎么处理好画面上的这单一的关系)而疫情而疫情却给了我一个突破口,我的这些作品基本都是和疫情有关,大部分都是以疫情为主题,表达我在疫情期间的一些所思所想。让绘画有了主题思想,让画面变的丰富起来。

  我之前的作品不论是在构图或者用笔用色方面都是比较中规中矩的,而我这批画我是想找一种比较轻松疏朗的感觉,《花枝俏》、《潇潇》、《留得异香在枝头》这三幅作品在画的时候其实属于信笔勾画,画画的时候是以一种很放松的状态而且脑中也并没有平时画画的那种用笔的概念,勾完后再随形点染。

《融》和《萌》这两幅我是想尝试用线的方法表现宁静空寂的氛围,这是一种尝试也是那个时期站在窗前能看见的一种风景,我想把它作为日记的方式记录下来,这几幅作品其实都是以一种速写的方式画出来的,在我后期的创作中也都是有所体现的,只不过我后期的这几张创作没有达到我想要的那种状态。画的好坏对我来说或许是次要的,但是我很享受这种画画的过程。而且后期我也想根据这种画画的状态或者说根据这种画面效果尝试画几张大的作品。并且我根据这两幅画的感觉又画了(蝶、栏杆以及梨花系列)这几张作品虽然画面效果不一样但是画画的状态是相同的,画了这几幅画以后,我就有了画《白衣破晓》的思路。

 这幅作品其实背景就是一片影子,疫情就像阴影一样笼罩在每个人的心里,笼罩的在角角落落,看过我这幅画的人都会问我为什么只画一只鸟,一只鸟他是代表的一个群体,我想表达的是白衣天使冲破阴影冲破黑暗,战胜疫情。但是这幅作品仍然很拘谨,没有画小画时的轻松,我最后总结这有可能就是我平时画大画时的状态,总是觉得画大创作时有一种如临大敌之感。

  所以尝试了后面这幅《冻痕消水中》这幅画其实是小画《三月三》的放大版但是没有画出我想要的那种雨中淋漓的效果,这幅画我主要是想打破《白衣破晓》那种拘谨的感觉想在画大作品是找到那种轻松自如的感觉,我这幅画画的时候后很快,用笔也不同之前的小心谨慎,而且在画画过程中自己很痛快,找到了我在绘画是想要的感觉了,这也是我以前画画是所缺少的东西。就是画面效果有待提升,所以我觉得这幅作品是一张试笔的画,今天拿出来也是想听听各位老师的意见和建议。

  而这幅《家园》是在这幅画之后画的,画这幅画的时候,我想把第一幅和第二幅画的画面效果和绘画感觉融合一下,看能不能找到一个契合点,放开而又不拘谨,而在创作这幅作品时正是支援湖北的医护人员回家的那段时间,这一时期看了好多报道大多都是拿着纸巾看完的,有太多感动和心酸。这幅画其实是表达的送别与等待,逆行者艰难时刻的奋不顾身与担当奉献,每一个家庭的守候与支持,还有无数群众盼望回归宁静生活的共同心愿,都是一次刻骨铭心的家国记忆!

《征》和《盼》其实也是想表达送君出征和家人的殷殷期盼之情。我个人对《盼》这幅画更喜欢一点《征》本来是想再画一次的就是一直没有找到更好的表达方式,或者说除了在笔墨上更熟练一点以外没有更好的突破所以虽然这幅画就我现在看来有很多问题但是还是一直没有重画一遍的原因。

《大雨过后》,这张画是我在四月底开始画的一幅作品,当时就是在一个狂风暴雨过后的黄昏,院子里像是被洗过一样,虽然有一部分花木被风雨摧残的七零八落当时那种生机不减反增带着雨后的清新扑面而来,我当时就特别想记录下这种感动的瞬间,那个时候疫情已经没那么紧张了,整个城市感觉像是受过暴风雨洗礼一样正在复苏,我想表达那种万物在风雨过后虽然备受摧残但任然保有生机的蓬勃面貌。觉得就像是疫情过后的武汉,

  虽然遭受到了惨重的伤害和损失,但是在灾难背后我们看到的却是希望和众志成城,党和国家的关怀,和我国这种政治体制的优越性。

《万家灯火》是我三月份画的一张作品,一天晚上我去另一栋楼取邻居送我的荠荠菜下雨了没带伞,雨打在脸上很冷,但是每一栋楼里透出的光却很温暖,当时我并没有急着赶路,而是在想每一盏灯下或许都正在演绎一段温暖的故事。而这种温暖是通过很多人的坚守才换来的,一回到家我就很快的画下了这幅画,这幅画更像是日记而不是作品。

《生生不息》这幅长卷是清明节前后,我的老家西乡县,我们邻居家去了一群朱鹮,把他家院子里梧桐树上的一窝长尾蓝鹊给赶走了,朱鹮拆了蓝鹊的原有的鸟巢,又在那里搭建新的巢穴。几年前别说朱鹮,连长尾蓝鹊都见不到,这几年通过环境的治理和保护,各种鸟都回归大自然,偶尔还能在田地里见到野兔,特别到了初冬白鹭成群,远远看去就像是一树盛开的白玉兰。人一走近就能看见一行白鹭上青天的盛景。画白鹭其实早就有了这种想法和这方面的探索,这次由朱鹮诱发的之前的创作灵感,本来是想画朱鹮的但是总觉得朱鹮没有白鹭那样的体态和野趣,白鹭是中国画和中国文学作品的主题之一,它们主要活动于湿地及林地附近,也是湿地生态系统中的重要指示物种。所以我最终还是用白鹭作为我的创作主题,通过白鹭一年四季从春到冬生生不息的迁徙繁衍过程,展现从生态文明建设以来自然环境得到了全面改善,人与自然和谐相处,自然循环永不停息。阐释了人与自然是生命共同体,也寓意生态文明建设走向了新时代。

  感谢各位老师在百忙之中参加我的学术观摩展,今天展现的是我最近创作的一部分作品,我也向大家介绍了我的整体思路和表现形式,可能还有很多地方不够严谨不够成熟,恳请大家对我现阶段的创作状态给予一些指导和建议,我也会根据大家的宝贵意见进行下一步地完善,争取创作出更好的绘画作品来请大家再次指导。



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白霜亮(画家  二级美术师):


 晓荔是一个女画家,本来就不容易,她又画花鸟,实际上我们画院花鸟很弱,不如西安画院,也不如西安美院,人家都出的有人才,比如说有代表的画家,西安美院有张之光老师,西安画院有江文湛老师,美协还有一个王金嶺老师,这都是花鸟大家,而且是全国性大家。我们陕西国画院原来有一个苗墨老师画花鸟,但是一直没有达到一定的高度,不像人家那三个画家在全国全省影响这么大。

 说花鸟画,你要细分就是画花鸟的,但是要不细分的话就是一幅画。吴昌硕是花鸟画家,吴昌硕一辈子没有画过鸟,只画花。齐白石又画花又画鸟,还画昆虫,还画人物,还画山水,人家也是花鸟画家。黄宾虹也画了大量的花鸟画。古代的唐伯虎画人物画的很好,有几幅代表作《王蜀宫妓图》、《秋风绾扇图》,他也画山水,有《落霞孤鹭图》这些大的山水画,还有一些好的花鸟,乌鸦、鹩哥他都画的很好。过去古代的就不一一举例,到了现代徐悲鸿,徐悲鸿是油画家,他又画国画,国画里面又能画人物又能画花鸟,比如马、狮子这些都可以画,书法也写的很好。所以第一你不要把自己当花鸟画家看,你就是一个画家,画家要无所不能,花鸟有造型、有笔墨、有色彩、有构图,人物、山水也都有,包括书法也有构图,是一致的。如果你是专业科班出身,你一定会具备这些能力,任何东西你都要能画,不要想的太具体。宋朝扇面的小画,人一眼看去就知道是花鸟画,因为花非常像花,我说的花是笼统的花,不是具体的花,它又是一幅画又是一个花,用了最少的语言说了最丰富的话,这样给人的感受会最强烈。

  再说鸟,有的人就画成鸟了,鸟实际上就是像鸟一样的东西,第一要像个鸟,第二是画里面的鸟,从花鸟里、从动物里提炼出人文、艺术的、花一样的东西。兔子、老鼠、马、鱼,都是有灵性的,要把那个东西画出来。画人达到一定高度也是写意的精神,画一个人的精神,包括自己的精神在里面,所以我觉得不能把花鸟画变成画花、画草。   

 王潇提出来写意,我顺便也说一下。写意很多人大体上的理解,和工笔相对立的画就是写意,还有用书写的方式在生宣上,加中国画的基本创作思路来画。现在我提出一个问题,工笔写意不,工笔如果不写意肯定是失败的工笔画家,写意画家精神写不出来也一定是一个失败的写意画家。过去好的花鸟画家、工笔画家都是在写意,写意又分大写意、小写意,多小算小写意,多大算大写意,实际上就是概括能力,一下子概括的能力不强,你多概括几个,用的手段多一点。比如说费的时间长一点,可能接近小写意。但是有的人概括能力强,一笔两笔就够了,用通俗的话来说就是大写意,如果概括能力不强就是小写意,工笔画相对来说概括能力不强,所以千笔万笔,羽毛丝什么的,你画不出蓬松感觉,要用很多手段,可能笔墨强的画家一两笔下去蓬松感觉就出来了,所以人家省时省力。比如石鲁画的华山,三四笔,很多人画的很细致,画完最后没有意了,画的越多越没有意。有一些千笔万笔加起来还是很写意,比如说范宽的《溪山行旅图》,李唐的《万壑松风图》,这两幅画我上大学的时候临摹过,《溪山行旅图》我临摹了40多天,每天很勤奋,但《万壑松风图》我一个礼拜就画完了,只要把松针画完,斧劈皴很快就临摹完了。《万壑松风图》是写意,《溪山行旅图》也是写意,徐渭的葡萄,包括八大都在写意。我今天看了一个别人发的文章,说齐白石的画因为俗气所以写意不够,所以提高不了。可是我们好好想想,就是画到当代的时候,你能不能再找一个比齐白石画的更好、写意更高的画家出来。

  晓荔刚才说疫情的时候你想在画里表现你焦急、压抑这种情绪,但是在你的这个画里面看不出来,当然这不表示你的画没有画成功,一幅画如果靠语言叙述说了一大堆想表现什么,那一定是失败的。画有那么大的功能吗,能表现出那么复杂的理想吗,比如画毛泽东精神,全心全意为人民服务,你能把那个画出来吗,党的宗旨是什么,你能画出来吗。艺术就是一种视觉语言、视觉艺术,表达不了那么深刻的东西,和疫情能巧妙的挂钩就可以了,不要附带那么多东西,太累了。放下包袱,轻松上阵,往往会用的力量很小,但是画的很好。瞄准一个目标,不停画下去,迟早是会有成果的那一天。 

 


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耿齐(画家  二级美术师):


 前半年疫情很严重,而且画院各种工作比较繁复,晓荔既要工作又得照顾家庭,在特别忙的情况下画了很多画,首先是要肯定的。这些画比以前有更高的追求,她对自己有一个压力,而且体现出她自己的探索,挺不容易。今年大家恍恍惚惚已经半年多过去了,画的画都不太多,首先我不够多,所以在这个环境下晓荔画了很多有自己很多追求和探索的作品,这一点值得大家肯定。

  我分两个部分大概说一说,前半部分说一下我对花鸟画的认识,最后我说说晓荔存在的问题,我直言不讳。

  第一,花鸟画发展到现在这个地步,全国以工笔为多。从广义上来说中国画都是写意,从狭义上来说分小一点的写意,也就是工笔画,大点写意就是一笔画,像徐熙、徐渭这一类的,所以写意分广义和狭义,中国画都是写意,用笔管理,哪怕处理关系,包括很精密的宋画放大到无数倍,会发现我们画的写意画远没有达到宋画的概括能力,远没有达到当时我们认为的写意程度,所以画永远是写意的,就看你怎么处理,怎么追求。有的人适合特别小的细节描绘,比如类似于明代的恽寿平,他们特别喜欢小的描绘和层层染的写意方法。有的比较喜欢大一点的描绘,比如王雪涛、潘天寿、李苦禅,这些都是大写意,后来还有泼墨,都是对写意画不同的解释,核心是你对这个东西是什么态度,你适合哪一种表现方法,你是小写意还是大意,我觉得写意问题就是一个广义和一个狭义之分。

  历史上各种花卉被古人画遍了,所以花鸟画题材的选择也是对当代人的一种考验,基本上能看到的世间的花卉,从花鸟画诞生那一天开始,到现在基本上画完了。画了这么多年,为什么每个人画的不一样,就是某个题材上画法的处理,包括对画的认识,每个人都不太一样。西方人看到我们画的花鸟画可能觉得是一个人画的,我们可以从竹子里面看到哪个是徐渭的,哪个是李鳝的,哪个是王冕的梅花,所以每个人同一个题材处理方法不一样。画家对线条也好,对题材也好,深入程度、自己独特的解读能力,尤其用笔用线对意境的把握,造成了他对这个东西不同的看法,也就是独特的特点,所以题材这个东西我们现在挖掘的可能性已经很小了,古人连大麻鸦片都画。有的人说向日葵没画过,这些年画向日葵的特别多,还有人说棉花没有画过,今年全国美展也有画棉花的,谷子、稻子所有的农作物也都画完了,画完以后是不是我们就没有题材可以选择了,我觉得没有必要担心。同一个题材转换一种方法同样可以成为自己的风格。

  传统画花鸟画是在三个画种之中最难发展的,第一步能像你刚才说的看到画白衣天使用几个白鹭体现,你画的确实挺好,但是很多人体会不到等待的焦虑,体会不到凄惨,或者被阴影笼罩的那种情节。这也不是你的原因,是花鸟画题材没有办法像人物画那么直接的表达,所以将来要不要在这个上面花费你很多精力,你可以再想想。晓荔原来画花鸟画的习惯性题材,包括大的构图都是借助传统的东西,这个没有错,学习它,也是延续它。中国画就是一个延续的过程,如果没有延续中国画早就灭亡了。现在拿出任何一个花鸟画,你再怎么变,无论用水墨也好,无论用特殊技法也好,无论怎么变,你都会在西方各种形式上看到它的影子。现在全国美展那么多的工笔画,有些人就是从日本买回来好多画册,按日本人处理花鸟的方法处理中国画,有的还获了奖。日本画从明朝到清朝,还有宋朝时,一直向中国人学习,现在我们学习日本后,把中国画最核心的东西丢掉了,对笔墨的认识,对笔的延续性、情感的传达性丢掉了,就用了日本的浮世绘的样式,成了日本画。他说他很多同学都是这样做的。这是现在我们花鸟的状况,对花鸟的认识我们远远没有达到古人的状态。是老瓶装新酒还是另辟蹊径找一个另外的表现方法,我觉得还是应该认识自己,自己是什么样的人就画什么样的画,你想画什么就大胆弄,但是一定要弄的高级。

  画面形式感与线条的形式感,人人都追求变化,无非是在形式感上追求变化。比如画面上看起来新颖,没有传统的千篇一律的构成形式,就是追求形式感。第二个是线条的形式感,同样一个字,有的是宋体,有的是楷体,线条修饰造成了独特的特点,花鸟上对线条轻轻的改变就可以达到对形式感的变化。大的形式感构图,晓荔一直在改变,这是好的现象,这也是我们画山水和画人物都需要的。

  第二,我说几条对晓荔的看法和对画的看法。

  一是要调整关系。你的画什么都不缺,也有工,也有写,缺调整关系,画面关系是第一位的。

  二是选材的单纯化,不要找很多东西,我想追求什么东西,你就把这个东西当作最高追求去画。比如画石头和各种花卉,要简单化,选材要单一化,不要太复杂,你的画面题材过于多。喻继高的女儿喻慧画花鸟,就画了一个鸟,画了一个石头,画了一个太湖石,她能把宁静的状态,所谓静和动的状态能够体现出来,为什么,这就是选材的单一化,但是选材的单一化不是处理的单一化,她处理的很丰富。我觉得应该注意减少细节的对比,加强大的画面节奏对比,这是一个最主要的问题。

  晓荔是很细腻的人,她把大的问题处理好,会画的让大家很惊讶。去年她画了那么细的传统的东西,今年开始泼墨,我觉得她有创作的能力,希望她画的更好,谢谢。



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 韩勃正(画家  二级美术师):


 我说三个观点,首先说人,然后再谈谈花鸟画,最后说说你的画。

 首先,人。我认为晓荔是一个内心有洪荒之力的人,她做事情很周到,是那种内心有很强大力量的人。有强大力量的人存在一个问题,其实你不存在要抒发什么,存在怎么抒发感情的问题,这是一个很漫长的宏大的学术问题,音乐家有音乐的手段,文学家有文学家的手段。你刚才说画白衣天使,其实你可能作为作家以文字的形式可以,但是以绘画的形式远比这个要复杂,因为最后是以绘画形式表现情感,而不是以绘画的形式去服务于文字,所以这是一个很宏大的问题。你有对生命对生活很敏锐的感知,或者内心有很大的力量,要把这个力量用一个合适的方式宣泄出来,把你内心很饱满的情绪,用一个准确的形式,或者更精准的方法宣泄到画面上,你是有这个力量的。

  第二,关于花鸟画。大家都有一个共识,近些年花鸟画的发展相对式微,每一个时代有一个时代的审美,就像李泽厚先生在《美的历程》里说不是每一个阶段都面面俱到,在每一个时代只说每一个时代的艺术最高峰,比如说青铜器,比如说后来的书法,每一个阶段只说一个事情。每一个时代有每一个时代的时代感受、时代感情,比如说唐代的人物画,到宋元时期就是山水,到明清两代相对花鸟画高峰就来了。   

  任何一个题材不管是山水、花鸟、人物,其实都是情感抒发,只是角度不一样,你作为花鸟画家应该从哪一个角度入手观察生活,从哪一个角度认知生命,这是你的课题。你的情感切入点是什么?刚才说用花鸟要去表现白衣天使,其实只是说明了一个事情,但是并没有表达出你想表现的情感,在你的画里面,为什么大家老说不工不写,我觉得就是温,原因就是情感出口不明显,或者是你要表现什么情感大家体会不来,你是要表现悲壮美,还是一种宁静美,还是要表现婉约美,这个在你的画里面是不明显的。从情感的切入口来讲可能你表现的语言或者情感输出方向得重新斟酌。

  第三,关于你的画。大家老谈一个问题传统,传统是一个很宏大表象,但是传统核心和我们现在创作核心应该是一致的。继承和创新,其实是一个话题、一个观点。用这种既要尊重我存在的客观空间的生活状态,又要尊重我对它理解的内心情感来看,是没有矛盾的。   



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郑伟斌(助理研究员):


  晓荔最大问题是细心的程度、细腻的程度还不够,如果给细心、细腻有一二三等级的话,晓荔最多到三级。因为她所用的这些表现手法,比如说想表达很细腻的情景,全景式的花鸟场面,但是又把最细腻的精微的东西没有表达出来。把宋画里面最精妙的东西、最精锐的东西没有学到手。比如说画的一些树木竹子石头,还有画面当中的画眼禽鸟,这些禽鸟貌似很用心、很细腻的勾勒皴染,但是画面当中最薄弱的地方,只用白粉,非常单薄,画面的底子都透着,我们看宋画里面禽鸟的动态、神情、体积、生命感都有。对画面的处理也好,对自然的观察,对物性的观察还要深入。       

 第二个方面是胆量,胆量有一二三级的话,我觉得晓荔在四级,就是胆子非常小。越是看似工细的画越要能放得开。现在的印刷技术和图像技术非常的发达,把宋画放开看,看细节,远看是一幅工笔,细看笔笔都是大写意,笔笔生发。

  第三个就是用笔,不管是小写意还是大写意,还是工笔,最终中国画都想要气韵生动,必须要通过用笔来体现,骨法用笔。趁年轻,虽然方法比较笨一点,用传统最笨的方法,但是年龄越大越有获益的地方。如果晓荔一开始就注重用笔的训练,可能30多岁效果不太明显,但是50岁、60岁、70岁以后一年会有一年的境界,越往后获益会最大化地体现在你的画上。

  第四个是主题和立意。晓荔大段大段的讲疫情,如果她不讲疫情的话,我感觉都忘了,我最近出门都不戴口罩。从画上把白色的鸟和白衣天使关联,太牵强。当然她的想法是对的,创作上要关联时代,思路是对的,但是艺术有它的规律,比如说比兴手法的应用。比兴手法要从中国绘画史上多看一些经典作品去总结,比如傅抱石跟关山月画的《江山如此多娇》,石鲁先生的《转战陕北》、《东方欲晓》都是比兴手法,用一个小的对象、小的场景表达一个很宏大很高深的主题,把这些规律慢慢的再把握一下。

       第五个是用笔。晓荔画面上树木、竹木、石头区别都不太大,浑然一片,这种方法好像是追求一种新的感觉,但是又把艺术上的夺人眼目、夺人心魄的视觉力量削弱了。谢赫“六法”里面讲“随类赋彩”,中国戏剧白脸表示奸邪,红脸表示忠诚,还是不要放弃古人所总结的随类赋彩,给人祝寿画仙鹤、桃子,人看到心情就是不一样。   

 下面再讲一个问题,还要注意笔墨跟物性的统一和结合,这是更高的难度了。举一个例子石鲁先生在延安到外面干活劳动,他过小河山坡的时候,路上的野草经常把胳膊划伤,他就通过这个感受,他画的兰花跟古人画的兰花都不一样,古人画兰花一波三折线条很流畅,石鲁画的兰草表达的是草的边缘,比如玉米地叶子的边缘都可以把你胳膊划伤,这就是笔墨和物性的结合,这是更加高难度了。但是这种感悟又是人的本能里面,人心性里面所带的东西,都是可以做到的。

 最后,花鸟画在当代的困境,特别是陕西国画院在花鸟画这方面的式微的情况下,把自己的定位可以再拔高,艺术家一定要把自己的定位拔高,能达到多少尽最大的努力,向历史上青藤白阳他们去看齐,跟着他们较劲,跟着他们去学习。



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黄菲(画家  三级美术师):


 我今天进这个展厅第一感觉挺梦幻的,我说我要表扬她,后来说不行得批评。我大概总结了前面几位老师,他们说的跟我的感觉有一点点像,她画面给人很安静、很梦幻的感觉,但是为什么她给我们讲述这个东西的时候情感很激昂,有一点点悲壮和感性的东西在,这是矛盾的,大家在画面里可能感受不到。现在的画面视觉语言有可能并不是她的情感输出,这个矛盾是晓荔画面最需要解决的问题,怎么把画面所表现的视觉语言跟自己的情感输出能统一到一个频率上。晓荔是一个很内敛、很内秀的人,很多情绪是放在心里不太给大家说,也不太表露出来。有人说看晓荔的画很安静,看晓荔的画有点大胆,又有人说晓荔很胆小,我觉得这是因为这种画面所给人呈现出来的观感是比较平均,每一个特点都有,但是没有一个特别明显。如果要把画做得比较好,可能让人第一眼能感受到你最大的情绪,这个能让画表述的更成熟一点。

  我最近特别喜欢有生命的东西,例如画面中有花,花有生命力,花、鸟、人,我觉得有生命力的东西更容易让人有带入感。回归到花鸟画当中,花和鸟是有生命力的东西,是一个特别好的题材,我并没有觉得花鸟画题材有一点点局限,我觉得反倒是特别好的,因为它们本身就有生命力,你只要把这个有生命力的东西提炼出来跟你自己接合上,我觉得你的画别人就可以认可。比较厉害的花鸟大家画出来的都是具有代表性的,你看这个东西就可以想到这个人,我觉得花鸟画就很成功了。看到虾就可以想到齐白石,如果看到什么动物,或者花、鸟立马想到晓荔我就觉得花鸟画成功了。

  还有画面是谁为谁服务,我感觉可能表达的不是很清楚,有鸟、有树,但是重点可能是在鸟上,但是树为它服务的不够,所以鸟没有出来、树也没有出来,相对会感觉弱一些。怎么样为它服务,很多细节,比如这个鸟的形态再琢磨一下,把鸟的形态特征和精神面貌比喻白衣天使也可以,怎么把形态表现的更像白衣天使,我觉得这个鸟动态有一点点畏畏缩缩.

  花鸟画有一个比较重要的是两个方向,大家说工笔、写意,怎么把这个东西画的像,工笔就是一个很直接的表现方式,我就是画的像,我不要求传神,但是就是像,像了之后自然而然会让别人感受到内在的东西,有一个自我表达。可能我们现在在座的各位老师更追求的是自我表达,怎样在像的基础上提炼出形态,然后代替具像的物体,就是我画的是白鹭,但是我画的是徐晓荔的白鹭,这个需要思考。如果一个人能把自己对生活观察的小细节通过花鸟有生命的东西表现出来我觉得就特别美好。



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黄绵云(画家  三级美术师):

    

  我说两点:第一,中国画的审美样式、表现样式。现在不管是全国美展还是其他,相当一部分画都是表现悲壮,现实生活中的,尤其山水画家或者人物画家,深入基层画的画基本上是烂房烂瓦,或者破衣烂衫,画出来的画面很凄凉,我们只能有这些吗。

  第二,花鸟画应该表现五彩斑斓的世界,个人建议晓荔看一看宋代的一些重彩花鸟画的色彩,样式也很好看,或者可以参照法国画家莫奈的颜色。



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白海红(画家  三级美术师):


  前面几位老师谈的很贴切,我也很认同,比如说写意与工笔的关系,我很认同,其实就是像书法里面的楷书和草书的关系,怎样把楷书写的有草书的感觉,或者说把草书写的有楷书的味道,写意和工笔的关系和这如出一辙。

  看你的画,看完以后我首先记住的是大画,因为画幅大。对年轻人来说,参加国展是相当重要的,我们经常讨论国展的作品为什么能入选,我当时回答了这么几点,首先是他们都有一个取胜的方面,比如说强调画面的整体性,把你的眼睛能吸住。再一个是强调构成和形式,再一个是笔墨的制作性,可以做一些积累。再一个是色彩方面,吸取一些油画的色彩。再一个是强大的工作量。

  我看了晓荔的画以后,马上联想到晓荔的大画是不是具备国展的要求,我觉得晓荔她自己应该很清楚,她也一直在思考。我也在思考这个问题,怎样把大画画的具备国展的因素,能入选,我觉得年轻人应该重视。



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       蔡亚红(副研究馆员):


  因为晓荔是画工笔花鸟的,大家都提到宋画,我也想先从宋画说起,我们经常说宋画是中国绘画史上的一个高峰,宋代绘画在皇家的提倡下,尤其是宋徽宗身体力行的推动下,走向成熟,具有高贵、大气的风范,宋代的工笔画非常工整细腻,也依然非常传神,背后不仅有技法的支撑,更多的是人的精神力量,画的高贵源于人的高贵。宋代画家对绘画的对象倾注了近乎虔诚的尊敬,他们敬畏自然,敬畏艺术。技法很重要,但是如果没有精神力度的支撑,最多也只能成为一个画工。一个艺术家先从做人开始,全面提升自己的修养,作品才能高贵起来。

  至于说到累不累,喜欢就不累。宋徽宗作为一个皇帝,还能静下心来画那么工整细腻的画,宋徽宗如果觉得累就不画了,我想晓荔也不会感觉到累吧。晓荔人很文气,晓荔的画也很静气淡雅,你循着自己的性格去做就行,你想到白衣天使你就去想,至于观者体会到了多少,你也不必太在意,你先把自己的内心充分反映出来、表达出来,这就非常好。大家说到一幅画不要想说的太多,绘画就是一种形式语言,不需要把一些文学的各种想法都加进去。新中国成立以后强调思想性,花鸟画是思想性最不好表达的,但是实际上花鸟画的象征性又是最强的,只是比较隐晦,多是隐喻,不像人物画能那么直观地表达出来。大家也谈到细节,细节当然很重要,就像晓荔的这张画,细节上再细抠一下,效果可能会更好。《转战陕北》中毛泽东的形象,石鲁没有说为了表现毛泽东的伟大就画的多高多壮,他就把人画的那么小,但是石鲁是下了非常大的功夫,石鲁请西安美院著名的雕塑家马改户为他做了十几公分高的毛主席塑像,他说你把形体捏出来就行,他拿着塑像翻来覆去地看,去体会,所以画面上就一个侧身,眉眼也看不清,但是谁一看都知道是毛泽东。这就是在精微之处见广大。中国画的写生和西方概念上的写生不同,中国画的写生是写其生意,写其生气,不是光写形象。晓荔很年轻,技法会不断完善的,你就专注的画下去,肯定会越来越好。



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江天(画家  三级美术师):


  我了解的晓荔在绘画工作以外,是一个非常热心,愿意帮助大家的好同志,但在绘画方面她就帮不了别人,因为自己还有很多的问题有待于解决。之前很多老师都讲了很多自己的艺术观点,我听了以后觉得非常正确,这是大家在借助晓荔的观摩展表达自己对艺术的观念和观点,能不能跟晓荔当前的绘画结合在一起这个很重要。从我对晓荔绘画的认知来看,她还徘徊在某种境遇之内,她曾经有过画明清小写意花鸟的基础,但是这个基础做到哪一个程度,我感觉刚进入精彩状态的时候可能因为各种客观原因又退出来,退出来以后又在画院作为一个专职画家,又希望把画画的与众不同,加上平时在业务工作的繁忙下画出这些画,也是不容易的,她会取巧。

  先从小画说,同样的色调是黄色,为什么不在白纸上画,因为黄色的底上会营造出一种氛围,黑、灰这些东西在黄色底子上显的更美。其二每一张小画都用水的技法喷湿以后,用水的办法、潮湿的办法,也许在遮盖纸性的不足、线条的不足,但是到了大画的时候,纸里包不住火了,该深入的地方深入不下去,该虚的地方虚不了,呈现出工不工写不写的状态。晓荔的这个取巧是好事还是坏事,只能证明一件事情,她有足够聪明才智画出好画,只是她还没有进入到这个状态,我希望她作为陕西国画院的专职画家应该有这种紧迫感,工作再忙让自己赶紧进入绘画状态中来,到了绘画状态之中,你可能画的比现在的这些画更细腻,大家一看里面有更多内涵深入的东西,而且你不也累,这就是兴趣。我希望陕西国画院出几个优秀女画家,为我们填光加彩。



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乔建业(副院长  一级美术师):


 晓荔承担了画院业务办的一些工作,每周都有事,她愿意为大家做服务,并且还不忘创作,是一个很好的同志。首先我们认识这个人,她是一个什么样的人,什么样的人画什么样的画,晓荔人很婉约,长的很美,她的画包括性格,一路走来你的定义在小写意范围内,不是像宋画那么严谨的工笔,也不像大写意,你就走兼工带写,这是你以后发展的路,根据你的性格和人文气度,先把自己定位一下,我要走什么路,我是什么性格,我能干什么,我能干的了什么,对自己认知好了以后,你对自己的方向就有一个比较明确的认识,就不再是只关注外界对你的诱惑,全国美展实际上都是浮云。画家年轻画家需要美展给予我们平台和闪光点,但这只是艺术历程中的一个阶段性的成果,艺术之路很长。

  我们的研讨会主要是发现问题,发现自身不足,然后我们在行进的路上给你一个驿站,让你歇歇,回头看看,所以我想对你的画说一下,首先你的画一个是很静,没有浮躁劲,但是有一个问题,花鸟画和山水画的本质区别是什么,山水画画的是层次,花鸟画画的是穿插,画的是疏密。按照这个问题来分解的话,那就先从技法角度看看你每一张画的基本技法语言做的怎么样。

  比如说中间这三张画,从线条、构架上没有做到独具匠心,这个问题你可以参考一下潘天寿先生画的花鸟画,他的画穿插非常讲究。这个能对你有一个反思,怎么去整合自己的想法,对自己目前存在的问题有一个很明确的认识。前面的画家说的都很好,站在自己的角度,站在艺术的角度来看,你的画面很静,但是再往前就是很弱,基本上没有明清用笔的感觉,都是用淡墨在染,一染把笔伤掉了,或者笔的味道没有了,反而这个画面效果很好,能给你一种自得其乐的感觉,有一种还行,好像看着还可以,实际上你的用笔感觉不够,染的过了把笔伤了,国画的味道就没有了。

  如果把这个画的鸟拿掉,只看后面这一些东西,你的画在纸上瘫着呢,没有大的穿插和构架,所以这个画这个线就有点糊了。穿插永远是一个画家所应该注意的。潘天寿画了一辈子画,最后总结出来,山水画的穿插,就画的是不等边三角形,在画里面这几个不等边三角形穿插起来,这个画面的结构就稳了,这些东西需要去感受,到生活中去感受。所以我说一个画家,首先是一个思想家,你是一个有思想的人,这样你才不会按照物像去画。所以画花,你画的不是花,你画的是画,画是什么呢?画是有要求的,从笔墨角度来讲,花鸟画的笔墨和山水画是相同的,也有干湿浓淡对比的要求,还有笔的厚度,这些都是有要求的,只是因为花鸟画,相对于山水画来说,花鸟画的是一种微观的景,山水画是一种宏大的景,既然是微观的就更强调对物像的穿插,这是一个问题。

  画染的多、勾勒少了以后,画的就柔了,没有结构感,你的很多画里面,画面效果可以,但仔仔细细去看实际上是平的。为什么呢?你的刻画程度都用的是五分的劲儿,一些大的块面和小的疏密程度有点平了,所以画面就显得节奏感不强了。山水花鸟人物的节奏感是一样的,都有主次、虚实。对于咱们画院的画家来说,这个年龄段,技法的修炼永远是你这一辈子要走的路,就是任何一个画家,不管你是画山水的还是花鸟的,最终就是那几根线,那几根形,山水画把它浓缩了以后就是几棵树、几块儿石头,人物画浓缩了就是一个人的问题,一个人画的好,十个人也会画的好。穿插,画的形态不一样,无非就是一个叶子、一个枝、一个画的问题、一个鸟的问题,这些东西在你画的过程中不断的在变化构成,但是有一点,它的微观元素是不变的,这就是技术的修炼,这应该是一个长期锻炼的过程。

  绘画中的照形和造型,自然的物像给我们的是一种照形,造形是由你主观提炼和概括,是你自己的形,这就有意思了。我们看荷花,齐白石画的,张大千画的,潘天寿画的,石涛画的,他们画的荷花都不一样。我们就要从这些问题想到,从他们演变的线下来,我们还有没有更好的形式。比如只是一个荷花,一看这个就是齐白石的,一看就是石鲁的。再往下演变,有没有加了以后就是你自己的东西。这样对经典的沿袭是一种裂变型的,而不是简单的看一看,简单看就把画简单化、简略化了。所以看花鸟画,我认为任伯年的画还比较符合你的这种感觉,任伯年的小写意画的很好,画叶子那种背光反光画的特别好。黄宾虹说过任伯年的画稍微有点世俗气,当然艺术界有对他的画不屑一顾的。而这几年在中央美院画花鸟画的人中,任伯年是他们重要研究的一个方面,因为任伯年不像齐白石、吴昌硕,他正好介于写生和主观兼而有之,所以从他这里学起来,对花鸟画的教学有很好的引导作用。因为吴昌硕几乎跟生活就没有关系,而任伯年做了一个桥梁,把生活和艺术、把自然和自我搭起了一个非常好的架子。所以现在在美术学院里面,大家又开始看任伯年的画,因为他是从写生来的,所以他的价值就在这里。现在全国美展跟任伯年都有异曲同工之处,我在这里给你提供一个解决问题的思路。

  对传统的认知。我一直说,一个画家定型太早不是一件好事,你看一个大师的出现都是四五十岁以后,才慢慢有了一种自我的感觉,他的很多作品成熟是在60岁以后,这是一种规律。所以我们这时候作为认知,要学习前辈大师,去研究一下传承问题,我们经常说要建立一种学习型的人生,现在还没有到固步自封、成名成家的时候,一定要不断的吸取营养,只有你的底盘越来越厚,你的楼才会盖的越来越高。晓荔,这就是给你提出的意见和建议,好好反思,好好琢磨。



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王潇(副院长  一级美术师):


 我补充几点,第一,关于徐晓荔画里面的绘画性问题。绘画性是目前很多画家都存在的问题,追求画面的完美性,就是唯美性,也是功利心造成的,大部分有这方面的原因,为了追求画面的完整性、唯美性,追求效果去制作,而失去绘画性。绘画性很关键、很重要,是直接从内心发出来的、叙述出来的、抒发出来的一种心性的东西,与个人面貌、风格、性情就联系起来了。为什么我们的画没有个人面貌?个性不突出,就是这些画大家刚才说的展览会上或者其他地方司空见惯,就是我们的绘画性弱,如果你有绘画性就可能很直接去画了,画的完美与否,你说话都有可能说不完美,做事都可能做不完美,而做画为什么非要做那么完美,完美实际上就是一种失败。绘画性很重要,我觉得你在这方面应该思考。

 怎么结合,这就是笔墨语言,你对笔墨要从传统到现在、到你个人要有研究,花鸟画一般从古到今都是借物抒怀,你有情怀在抒发,这是肯定必须的。但是怎么画?就是刚才说的绘画性和笔墨性中个人风格性情的发挥,各方面的修养。说到写意性,为什么现在大部分人画工笔?因为它成熟的比较早,一般到40岁之前就可以画到顶峰,40岁之前画不好就不可能再有突破了。像人物画里面何家英把工笔做到了极致。但花鸟画有没有呢?未必在当代会有特别的典范和标杆。写意画就不一样了,写意画成熟的晚,到70岁才是他的成熟期,以后还会有随心所欲,这里面欣赏起来是非常丰厚的。从要求来看,写意画对画家的要求非常高,而且积累的时间是必须的,咱们从这一点上看,徐晓荔很年轻,从事绘画时间短,又没有生活阅历,从大学直接进入工作,没有基层的锻炼,在社会和现实生活方面阅历毕竟有限,各方面都会影响绘画的认识。但是从现在开始积累,从现在开始要求自己,找准方向,我认为她会有一定的作为。

  第二,不要人云亦云,受到别人的影响太多。从大的方面来说,你受到全国美展和当代花鸟画普遍的这种风貌的影响是很多的。你要完全发挥自我,找准自己的性格和特性。



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 张华(副院长  副研究员):


  我们这个活动是第二次了,我简单说点我自己的看法。我院组建新班子以来,我们院不管哪一方面的工作,我认为有了进一步加强,院外对我院的反馈也不错,都对我们这个新团体、新班子表示了鼓励。无论是乔院长的党务建设的规范性上,还有从王院长抓业务的力度和成绩上,大家都是有目共睹的,而且我们全院职工,无论什么活动,参与感、热情和情绪上面也有改变,我心里也特别开心,这个要对我们全院提出表扬。

具体到晓荔这个事,我想到哪儿就说到哪儿,不一定成体系,就说说我的看法。我最后一个发言占点便宜,每个人都说了,我也是一个学习的过程。在座的各位包括晓荔在内,在绘画这个角度来讲都是我的老师,大家都是行家,也相当于给我上了一课。从我个人的角度我是这样想的,每个人给你提意见和提建议,有的你可能听了以后有特别大的收获,你此时此刻的心理状态和接受能力刚好理解了那一句话,你收获就比较大。可能有的你暂时还不理解,还没有达到你能理解那句话的时候,我认为也不要紧,总是对我们的好处大于坏处的。有一些话可能鼓励你的成分多一些,有一些话可能批评的成分大一些,你都要正确理解。

  别人讲过的好的我就不说了,我就有几个碎片性的意见。对于大画和小画来讲,有一点点不一样,从视觉生理的反应上来讲。因为大画需要有近距离、中距离和远距离三个观察点都要考虑到,小画好一些。我记得2009年去江宏伟家做客,他也是画工笔花鸟的,那时也谈起这个问题,他当时也在画大画,说了自己的经验。大画你要有一个整体的感觉。一般小画要近距离看,远距离就看不成了,近距离看的视觉细节东西比较多一些,比如白色的一只鸟不用对比太强烈就出来了。而你的那幅大画中,远观时鸟就不太明确了。刚才也说到画家爱画活物,包括人物,为什么人们对这些感兴趣?前苏联的科学家做过一个试验,他做了一个眼动实验,用一个装置,眼球运动可以监控,在一个画面里这个人眼动来动去各个点上在动,能观测到视线,最后发现在一个画上,往往投射视线最多的是在人物上。他举的例子,如果在一个大森林里面,旁边有一个小小的人物,那么画家力图表现这么大的森林,其实也就是为了拿这个人物起到平衡或者重点,画家早就知道视觉重点这回事了。科学家也发现,里面还有什么狗、蝴蝶,像齐白石的小虫,那么小的东西(就能引发视觉集中),当然里面还有其他的成分在起作用,比如草虫画的细,其他的地方画的写意一点。但活物一定有它的生物性。人类生来的眼睛不是为了画画的,而是为了捕食和求偶的,眼睛的根本目的在这里,不是画画。但画画这件事是人高级的一个行为。我今天是散谈,其实不是给你讲课,而是我过去看的一些东西和做的研究跟大家交流交流。所以在这个上面,美术家利用的是人审美的心理和生理,成功的美术家就是能成功利用这个心理,不管你用技法也好还是什么。

  大家还谈到写意性。为什么写意画不容易成熟呢?工笔画成熟的早一点。打个比方,我认为写意画好比中国文学里的唐诗,这是中国文学最高峰的代表。工笔画有点像汉赋,或者骈体文,或者小说也可以。唐诗的要求是四句话、八句话,就要把庞大的、丰富的意象给大家表达出来。骈体文《滕王阁序》,也很精彩,描述的很到位,哪一个高级?我说没有高下之分,只有哪一个有中国精神最高追求的那个点(都有写意精神)。你说写诗的人一定比写汉赋写的好吗?不是这样的意思。骈体文也有意境在里面,这个我就不能再展开说了,大家都是行家。

  还有学养的问题,当你绘画的语言、技法、构图、色彩等到了一定程度以后,剩下就是你的才华,你个人的学养,个人对世界的看法,我始终认为,我看过一个论文说的很好,怎么样最快的提高呢?行万里路、人情达练等都是一个人才情增长的手段,是一个方法,观察社会,通过自己的思索。但是有一个小小的捷径就是读书,我反复说过你做什么都有好处。也许恋一次爱可能对你的才情都有提高,但是我始终认为读书是一个最简单的方法,因为书籍的内容,文字通过你的大脑形象化、思维化、逻辑化,对大脑的培养是最近最简单的一种方法,我丝毫没有贬低其他的方法,其他的方法也都可以。所以我建议大家平时还是要多看书,这是一个建议。才情不是一时半会说提高就能提高的,画家成熟总要有一个时间,要假以时日。根据晓荔这样的工作态度和认真劲,我相信一定会有美好的前程。




徐晓荔作品欣赏


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白衣破晓 200x140cm  2020年制


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家园 160x140cm  2020年制



文字编辑整理:蔡亚红